El Clasicismo

Trasfondo histórico de la época.

Clasicismo es la denominación historiográfica de un movimiento cultural, estético e intelectual inspirado en los patrones estéticos y filosóficos de la Antigüedad clásica, que se desarrolló de forma simultánea a los distintos estilos artísticos y movimientos literarios⁴ de la Edad Moderna. Se expresó en todos los dominios del arte, desde la arquitectura y la música hasta la pintura y la literatura. Aparece junto con el Manierismo, que a su vez dio paso al Barroco y éste al Rococó; siendo renovado a través del Neoclasicismo y atacado por el Romanticismo. Llegó a ser la tendencia dominante en las artes y el pensamiento occidentales durante buena parte de los siglos XVIII y XIX, en su vertiente institucionalizada en las academias (el academicismo).

Como su propio nombre indica se inspiró en los patrones del arte y el pensamiento del mundo clásico (la Antigua Grecia y la Antigua Roma). El clasicismo, sin embargo, tiene sus orígenes más inmediatos en la continuidad de los valores del Renacimiento, junto a la búsqueda del conocimiento y la perfección que caracterizan al humanismo. El clasicismo recupera todo ello y lo convierte en un nuevo canon que aspira a lograr la perfección absoluta a través del arte, tanto en la pintura como en la música y en la literatura.

El clasicismo tuvo en el comienzo del siglo XVII una contradicción con el Barroco, inicialmente en el terreno de la pintura (los Carracci o Guido Reni frente a Caravaggio) y que con el paso de los años se extendió, como batalla de ideas, al terreno de la literatura, justo cuando los cánones barrocos la dominaban casi por completo. El clasicismo se impuso en el campo de las letras a finales del siglo XVII, quedando fijado en el ensayo de Boileau, L'art poëtique (El arte poética), (1674). En él, aboga por una literatura emocional que llegue a los sentimientos del lector/espectador, pero que lo haga a través de los filtros del intelecto. De esta forma, Boileau carga contra los excesos de lo que posteriormente se denominará Barroco y Rococó, y apuesta por la recuperación de la solemnidad clásica y de los valores de la armonía y el equilibrio que dominaron la literatura de la Antigüedad. Se busca la armonía y el equilibrio entre el fondo y la forma, el control consciente en el desarrollo de los temas y el sentido de orden racional y proporción formal.

A su vez, la Ilustración representaba el deseo de los filósofos de la época de la Razón (filosofía) por racionalizar todos los aspectos de la vida y del saber humanos. Vino a sustituir el papel de la religión (como organizadora de la existencia del hombre) por una ética laica que ordenará desde entonces las relaciones humanas y llevará a un concepto científico de la verdad, hecho que llevará, a su vez, a los artistas, escritores y músicos a buscar un equilibrio de puro raciocinio en sus respectivos menesteres.

Músicos y compositores más importantes de la época y sus obras más relevantes.

               
Joseph Haydn: Nació el 31 de marzo de 1732 en Rohrau an der Keitha, cerca de Viena. Con ocho años entró en la escuela coral de la Catedral de San Esteban, en Viena, donde recibió su única formación académica. A los 17 años abandonó el coro y pasó varios años trabajando como músico independiente. Estudió los tratados de contrapunto y recibió algunas lecciones del prestigioso maestro de canto y compositor italiano Nicola Porpora. Haydn cambió en 1761, año en que fue nombrado director musical adjunto del príncipe Pál Antal Esterházy; en 1762 fue nombrado maestro de capilla. Trabajó para tres príncipes de la familia Esterházy. El segundo de ellos, el príncipe Miklós József Esterházy, fue un gran amante de la música. En Esterházy (Hungría), su lugar de veraneo, Miklós poseía una fundación musical importante, que fue dirigida por Haydn. Además de las sinfonías, óperas, operetas de títeres, misas, obras de cámara y música de danza que el príncipe le encargaba, también hizo que ensayara y dirigiera sus propias obras, así como las de otros compositores. Murió en 1809 después de fracasar en su matrimonio con María Anna Keller. A Haydn se le ha llamado el “padre de la sinfonía”, “padre del cuarteto de cuerdas” y “padre de la forma sonata”, aunque algunos lo consideran más bien como padre adoptivo de tal forma musical. Además, fue el compositor más refinado y prolífico del menuetto da capo.

Wolfang Amadeus Mozart: Mozart fue un compositor austríaco que destacó en el periodo clásico. Hijo del compositor Leopoldo Mozart. Wolfang Amadeus Mozart fue un niño prodigio, desde los cuatro años, inducido, y dirigido por su padre, se dio a conocer al mundo musical como concertista de piano y violín, viajando por toda Europa. A la vez comenzó su actividad compositiva y con ella, su deliciosa línea melódica, mezcla armoniosa, espiritual, y formal, de tristeza humor, poesía y lirismo romántico, única en toda la historia de la música. Mozart abarcó todos los géneros. De su inmensa producción destacan: las óperas Le Nozze di Fígaro, Don Giovanni, Cosi Fan Tutte y La flauta mágica. La música instrumental y de cámara fueron 41 sinfonías, 27 conciertos para piano y varios para otros instrumentos, serenata (Eine kleine Nachtmusik), sonatas para piano y para violín y piano. Y obras corales como cantatas religiosas y profanas, numerosas misas, el ofertorio Ave Verum y el magnífico Réquiem en re menor.

            Mozart es considerado como la figura cimera del clasicismo pleno, un verdadero genio y gigante, heredero de los avances técnicos de Haydn y mejorador de estos. Su técnica composicional era absolutamente perfecta y su balance entre melodía, armonía, contrapunto y forma era sin paralelo entre sus contemporáneos. Muchos aducen que éste sigue siendo el caso y consideran la música de Mozart como perfecta. Llegó a desarrollar la forma sonata-allegro y sonata-concierto hasta su epítome, de las cuales Beethoven tomaría la batuta y las llevaría a niveles insospechados. Sin duda alguna, ejerció una decisiva influencia en el otro gigante de la música que le seguía de cerca.

Ludwig van Beethoven: Beethoven fue un compositor alemán que es considerado un verdadero gigante de la música  y una de las más grandes figuras de la cultura occidental. Nació en Bonn el 16 de diciembre de 1770. Se formó en un ambiente propicio para el desarrollo de sus facultades aunque excesivamente rígido. El talento musical fue dirigido de forma tiránica por la disciplina de su padre, que era tenor en la capilla de la corte y que maltrataba a Beethoven de tal manera que lo dejo sordo para el resto de su vida. Beethoven empezó de músico en la corte para mantener a su familia. Beethoven marchó a Viena en el año 1792 para estudiar con el compositor austríaco Joseph Haydn, al cual no consideró como un muy buen maestro. Las relaciones entre Beethoven y Haydn permanecieron tensas, aunque no se puede negar la gran infuencia del último en el primero.

En Viena, Beethoven deslumbró a la aristocracia con sus improvisaciones pianísticas, a la vez que llegó a acuerdos bastante beneficiosos con los editores de música de la ciudad. El creciente mercado de publicaciones musicales le permitió trabajar como compositor independiente, algo que Mozart intentó en la década anterior sin conseguirlo.

De su extensísima producción podemos destacar sus 9 sinfonías, de las cuales la tercera, la quinta, la sexta y la novena son consideradas como consumadas obras de arte, las revolucionarias 32 sonatas para piano, los 17 cuartetos, los 5 conciertos para piano, el de violín, la ópera Fidelio, la Missa Solemnis, el oratorio Cristo en el Monte de los Olivos, etcétera.

Sin embargo, el hecho más trascendental de Beethoven fue su carácter libre y revolucionario. Su visión de la música no era servil: no veía su arte como método para conseguir paga (aunque lo hacía) ni para satisfacer ningún asunto puramente mundano, terrenal, banal; sino, más bien, para satisfacer y engrandecer una razón innata de ser del hombre, una intrínseca necesidad de emprender, de crecer, de ascender. Es decir, Beethoven veía su función como el de un verdadero filósofo y un mensajero de la razón y la libertad. Este aspecto, conjugado con el legado trascendental de su música y los desarrollos composicionales que él mismo estableció, sentaron las bases para el romanticismo que ya surgía para sus últimos años de vida. Cada uno de los grandes compositores del romanticismo, con la excepción de Chopin, establecen como su modelo a seguir a Beethoven.

Pintores o escritores más importantes.

Los pintores, entre los que destacó Jacques-Louis David, reprodujeron los principales hechos de la revolución y exaltaron los mitos romanos, a los que se identificó con los valores de la revolución.

La claridad estructural y el predominio del dibujo sobre el color son algunas de las principales características formales de la pintura neoclásica. Obras como el Juramento de los Horacios, por ejemplo, plantean un espacio preciso en el que los personajes se sitúan en un primer plano. Jean Auguste Dominique Ingres (1839-1867) aunque no fue un pintor neoclásico, tiene obras -como La Fuente- que representan este movimiento artístico.

La Ilustración fue un movimiento intelectual que provocó que el siglo XVIII fuera conocido como el «Siglo de las Luces». El culto a la razón promovido por los filósofos ilustrados conllevó un rechazo del dogma religioso, que fue considerado origen de la intolerancia, y una concepción de Dios que pasaba de regir el mundo mediante las leyes naturales a desaparecer en concepciones ateas del universo. Los ilustrados promovieron la investigación de la naturaleza, el desarrollo científico-técnico, la educación y la difusión general de todo tipo de conocimientos; fueron los tiempos de L'Encyclopédie. El arte se hizo así más accesible y con menos pretensiones, y la literatura se dirigió a un público más amplio, planteándose como un instrumento social. El aumento del número de lectores, especialmente entre la burguesía, plantea la figura del escritor como un profesional, y la escritura como su fuente principal o secundaria de sustento.

Francia fue la primera en reaccionar contra las formas barrocas, y los tres grandes ilustrados, Voltaire, Montesquieu y Rousseau se cuentan entre sus principales exponentes. También destacaron Pierre Bayle, Denis Diderot, George Louis Lecler y Chamblain de Marivaux. En Inglaterra tuvo una gran cantidad de adeptos la novela de aventuras, destacando Daniel Defoe, Jonathan Swift, Samuel Richardson y Henry Fielding, junto a los poetas John Dryden y Alexander Pope.

De la novela se pasó al ensayo como género divulgador de ideas por excelencia. La literatura neoclásica realizó una crítica de las costumbres, incidiendo en la importancia de la educación, el papel de la mujer y los placeres de la vida. Destacaron en España el fraile benedictino Benito Jerónimo Feijoo, Gaspar Melchor de Jovellanos y José Cadalso.

Cobró importancia la fábula, relatos o poesías normalmente ejemplificadas con animales, donde se exponen enseñanzas morales. La fábula se caracterizaba por ser una composición de carácter didáctico, por la crítica de vicios y costumbres personales o de la sociedad, y por la recurrencia a la prosopopeya o personificación. Es el subgénero que más se adaptó a las preceptivas neoclásicas: una composición sencilla en la que la naturaleza interviene, y que enseña divirtiendo. Destacaron los fabulistas Félix María de Samaniego y Tomás de Iriarte en España, y el francés Jean de la Fontaine.

Eventos históricos y culturales de la época.

Carlos II, que había muerto sin descendencia, nombró sucesor a Felipe de Anjou , nieto de Luis XIV de Francia y bisnieto de Felipe IV, quien fue coronado con el título de Felipe V. Acababa así la dinastía de los Habsburgo y llegaba al trono español la dinastía de los Borbones.  Felipe V era reconocido por las potencias europeas como Rey de España pero renunciaba a cualquier posible derecho a la corona francesa. 

Inglaterra obtuvo Gibraltar, Menorca y el navío de permiso (derecho limitado a comerciar con las Indias españolas) y el asiento de negros (permiso para comerciar con esclavos en las Indias).

Políticamente, es el siglo del Absolutismo: los reyes son omnipotentes, a excepción de la monarquía parlamentaria británica. Paralelamente, la burguesía va adquiriendo notable importancia, lo que acabará por cristalizar en la revolución francesa. Así, si la estructura social, dividida en estamentos, comienza siendo feudal, poco a poco la burguesía, dominante de la actividad comercial, irá ejerciendo mayor presión.  Absolutismo fue la forma de gobierno en las monarquías de Europa occidental en los siglos XVII y XVIII. 

La economía sigue siendo fundamentalmente agrícola, pero se produce en ella una revolución como consecuencia de los avances técnicos, conocida como la revolución agrícola. 

            En Arte, el Barroco deja paso al Clasicismo, que se caracteriza por la racionalidad, la sencillez y el orden (espíritu cartesiano). 

            En Ciencia, es el siglo del desarrollo de la mecánica clásica de Newton, aunque muchos filósofos, como Kant, salvan el espíritu (alma) de esa visión mecánica de lo físico. 

            El s. XVIII se caracteriza también por el naturalismo: se defiende la idea optimista de que la Naturaleza puede ser abarcada por la razón y con ello se confronta lo sobrenatural. De hecho, la religión es prácticamente sustituida como ente aculturador y político y se relega al plano de costumbre existencial poco necesaria.

Ocurren las sumamente trascendentales revoluciones americana (1775) y francesa (1789).

Surgimiento y eventual caída de Napoleón Bonaparte como hombre fuerte en Europa.

Características generales de la música.

Según la musicología actual, el término "música clásica" se refiere únicamente a la llamada música del Clasicismo (1750-1827 aprox., coincidente con el período neoclásico), inspirada en los cánones estéticos grecorromanos de equilibrio en la forma y moderación en la dinámica y la armonía. Como los antiguos griegos y romanos no pudieron inventar maneras de conservar la música (mediante soportes gráficos como partituras o soportes sonoros como grabadoras), el Neoclasicismo de los siglos XVIII y XIX como resurgimiento de las artes clásicas grecorromanas (arquitectura, escultura, pintura) no alcanzó a la música. Típicamente, la música estaba alrededor de cincuenta a sesenta años retrasada con respecto a las corrientes culturales de boga. Así que cuando hablamos de "música clásica", nos referimos a la corriente musical que coincidía con el neoclasicismo, que ya venía dándose por cerca de cincuenta años.  De todos modos, los músicos de fines del siglo XVIII, influenciados sin duda por el arte y la ideología de la época, trataron de generar un estilo de música inspirado en los cánones estéticos grecorromanos:

·         Notable maestría de la forma.

·         Moderación en el uso de los artificios técnicos (en el barroco el contrapunto y la armonía habían llegado a un punto que el público consideraba extravagante).

·         Suma reserva en la expresión emocional.

·         En general, la música clásica es objetiva, contenida en las emociones, cortesana, refinada, elegante; algo superficial, pero no pobre.

·         Formas: Perfección de las grandes formas y su estabilización. Estructura formal clara y transparente.

·         Las formas instrumentales que desaparecen gradualmente son: suite, coral orgánico, preludio, concerto grosso, fantasía, antigua cantata, toccata; la fuga solo se practica esporádicamente.

·         Formas que sobreviven: variación. Escasean los oratorios.

·         Formas nuevas:

·         Nace la moderna forma sonata, procedente de la suite antigua, aplicada al trío, cuarteto, sinfonía y sonata para un solo instrumento.

·         Incorpora la antigua obertura introducida de la opera a la música sinfónica instrumental, dando origen así a la sinfonía moderna que culmina la escuela vienesa.

·         El antiguo “concerto grosso” da paso a al concierto de un instrumento solista acompañado de orquesta (violín, piano, cello, clarinete...) en la forma de sonata de tres movimientos.

·         Melodía: Claridad y simplicidad melódicas. Frases melódicas nítidas y más cortas regulares y cuadradas que en la época procedente (es corriente la frase de ocho compases), las cuales se abren y cierran con ciertos reposos.

·         Incorpora en parte los característicos adornos del barroco. Su contorno melódico deriva del acompañamiento armónico vertical.

·         Estilo homofónico o vertical. El conjunto aparece como acompañamiento armónico de una melodía o tema, al que las restantes voces están subordinadas.

·         Desaparece el antiguo bajo continuo.

·         Abandono de las formas contrapuntísticas que utiliza solo esporádicamente, especialmente en los desarrollos temáticos. El canon y la fuga se van a incorporar en las obras maduras y/o tardías de los compositores principales de la época.

·         Armonía: Transparente, no cromatizante; menos compleja que la de Bach; a base de acordes sencillos. Los cambios armónicos relacionan gradualmente temas y secciones en las formas más variadas (modulaciones). Las disonancias resuelven satisfactoriamente sin dejar sensación de aspereza.

·         Sentido tonal muy transparente, sin marcados cromatismos en sus melodías ni en sus armonías.

·         Instrumentación y orquestación: La música instrumental es más importante que la vocal.

·         Sientan las bases de la moderna orquestación.

·         Atención al colorido y sonoridad de cada uno de los instrumentos y a su individualidad dentro de la orquesta.

·         La extensión de los instrumentos es aun reducida (generalmente evitan registros extremos).

·         Los instrumentos que aun no son usuales en la orquesta clásica son: trombones, tuba, flautines, corno inglés, clarinete bajo, contrafagot, arpa, celesta, platillos, xilófono y variedades de instrumentos de percusión.

·         Empieza a desarrollarse el piano, que nació a principios del siglo XVIII.

·         Dinámica (matices y signos expresivos): Atención especial a los contrastes expresivos, nunca bruscos (a base de fuerte y piano, como la dinámica de terrazas del barroco), utilizando el crescendo y diminuendo.

·         Textura: En vez de tratar de obtener ingeniosamente (como sucedió en el Barroco) efectos expresivos, contrastando grupos de muchos y pocos instrumentos (por ejemplo, la contraposición del tutti o de toda la orquesta al concertino o pequeño grupo del concerto grosso), se desarrolla una textura clara y a base del desarrollo temático y tonal y del diálogo de distintos grupos de instrumentos. Beethoven llevaría esta práctica a su máxima expresión dentro del clasicismo.

·         Esta música no tiene aun los arrebatos ni apasionamientos del romanticismo, sino que es mesurada, tranquila, sin bruscos crescendos o diminuendos.

·         Ritmo: Es sencillo y regular (cuadratura rítmica), con silencios intercalados como descansos contrastes entre temas y melodías; por regla general, guarda un movimiento regular a través de una sección. En el acompañamiento del bajo, es frecuente el diseño a base de acordes de tres sonidos en forma sucesiva, que se repiten como muestra rítmica (llamado “bajo Alberti”, aunque hay evidencias de que no fue este contrabajista y compositor mediocre el que lo inventó).

·         En ópera triunfa la reforma de Gluck.

·         La opera cómica y bufa rivaliza con la ópera seria.

·         En general la opera, la misa y la cantata continúan su desarrollo, amoldados al nuevo estilo.

·         La música religiosa adquiere menos desarrollo o predominio. Está dominada generalmente por el espíritu operístico e instrumental; por lo que parece más bien hecha para el concierto que para el culto.

·         La música de cámara comprende todas las obras escritas para un reducido número de instrumentos, que llevan generosamente la forma de la sonata: trío, cuarteto, quinteto, serenata, divertimento, casación...

·         En música pura (especialmente la instrumental): No describe, no imita o significa nada, sino que crea sensaciones.

·         Las obras se clasifican no por nombres sino por números agregados a la palabra latina “opus”, que significa “obra” (op., en abreviatura). Muchos de los nombres que actualmente llevan han sido puestos por sus coetáneos o por la posteridad. Así, los nombres de “Heroica” a la 3ª sinfonía, sonata “Claro de luna” y “Aurora”, de Beethoven, y los de sinfonía “Sorpresa” y “Londres”, de Haydn.

·         Los conciertos públicos de orquesta se implantan en la mayoría de las naciones.

·         Se produce ya una gran consumición musical y expansión de la música editada.

Tipos de composiciones y formas de la música coral e instrumental de la época.

            La forma Sonata.

Tema y variaciones.

Minueto-trío.

Rondo.

La sinfonía.

El concierto.

Música de cámara: Tríos, cuartetos, quintetos de cuerdas, vientos maderas, vientos metales y de cuerdas con piano.

La ópera de Mozart y de Gluck.