Trasfondo histórico
El siglo XX se inició en el año 1901 y terminó en el año 2000. No obstante, es
frecuente la concepción errónea de que el siglo XX empezó en 1900 y finalizó en
1999. Fue el último siglo del II milenio.
Se caracterizó por los avances de la tecnología; medicina yciencia en general; fin de la
esclavitud en los llamados países desarrollados; liberación de la
mujer en la mayor parte de los países; pero también por crisis y despotismos
humanos en forma de regímenes
totalitarios, que causaron efectos tales como las Guerras
Mundiales; el genocidio y el etnocidio,
las políticas de exclusión social y la
generalización del desempleo y de la pobreza.
Como consecuencia, se profundizaron las desigualdades en cuanto al desarrollo
social, económico y tecnológico y en cuanto a la distribución de la riqueza
entre los países, y las grandes diferencias en la calidad de vida de los
habitantes de las distintas regiones del mundo. En los últimos años del siglo,
especialmente a partir de 1989-1991 con el derrumbe de
los regímenes colectivistas de Europa, comenzó
el fenómeno llamado globalización o mundialización.
Al hacer balance de esta centuria, Walter
Isaacson, director gerente de la revista Time declaró: “Ha sido uno
de los siglos más sorprendentes: inspirador, espantoso a veces, fascinante
siempre”. Según Gro Harlem Brundtland, ex primera
ministra de Noruega,
también ha recibido la denominación de “siglo de los extremismos, [...]
en el que los vicios humanos han alcanzado
niveles abismales”. En su opinión, se trata de “un siglo de grandes progresos
[y, en algunos lugares,] crecimiento económico sin precedentes”, si bien las
zonas urbanas míseras afrontaron un lúgubre panorama de “hacinamiento y enfermedades generalizadas
vinculadas a la pobreza y al ambiente
insalubre”.
En los albores del siglo XX, la
dinastía manchú de China, el Imperio
otomano y
varios imperios europeos controlaban gran parte del mundo. Tan solo el Imperio británico dominaba una cuarta
parte del planeta y de sus habitantes.
Mucho antes de finalizar el siglo, tales imperios habían quedado relegados a
los libros de historia. “Para 1945 —indica The
Times Atlas of the 20th Century— había terminado la era del imperialismo.”
Al final del siglo, tras la disolución de la Unión Soviética, el primer y mayor estado
socialista, los Estados Unidos de América quedaron como única superpotencia mundial.
Los músicos o compositores más importantes de la época.
Mahler
Rachmaninov
Strauss
Scriabin
Debussy
Ravel
Schönberg
Berg
Webern
Stravinsky
Bartók
Shostakovich
Prokofiev, entre muchos otros.
*Debe indicarse que, dado que son demasiados los
compositores de este periodo, las obras más importantes de estos y muchos otros
compositores están en la última sección.
Pintores o escritores más importantes.
El arte del siglo XX se ve
fuertemente influenciado por la política y lo social del momento. No escapa a
la realidad sino que brota de ella. Luego de la Ilustración,
que había creado un sentimiento de confianza en el ser humano, la razón y la
ciencia entraron en crisis. Las dos guerras mundiales marcan un clima tenso e
inestable. La crisis europea y la crisis de la bolsa estadounidense en 1930
impactan en la sociedad creando movimientos artísticos de protesta. Es una
época de profundos y acelerados cambios, donde el progreso científico y
tecnológico deja avances impensados como el automóvil,
el avión,
la televisión,
la llegada del hombre a la Luna, etc. Todo
esto provoca un gran impacto en la sociedad y surgen movimientos artísticos
como el futurismo.
El crecimiento industrial y la vida en las ciudades también dejaron su huella
en el arte, por ejemplo en el arte pop.
Se pueden distinguir dos grandes movimientos en el siglo XX: Las vanguardias y
luego el arte
postmoderno.
La revolución industrial se convirtió en una
gran influencia en el arte. El caso más curioso de esta etapa es el movimiento impresionista en la pintura y su
convivencia con la fotografía.
La literatura
del siglo XX comprende
las obras, los movimientos literarios y los autores del siglo XX. Es un siglo
marcado por conflictos bélicos que sacudieron la conciencia de los escritores,
la influencia de la tecnología (especialmente las artes audiovisuales como el cine y los medios de
comunicación, incluso la radio, televisión, e Internet), la ruptura de los
límites estrictos entre géneros, y el intercambio entre diferentes lenguas y
culturas, que hacen que las obras muestran un grado de cosmopolitismo e
influencias mestizas mucho mayor que en los siglos precedentes.
El siglo se ve
también determinado por el auge de la industria editorial, con grandes sellos,
la sobre publicación y el creciente papel de las escuelas, las críticas literarias y los círculos
académicos, como filtros para el lector. Se extienden diversos premios
literarios, entre los que destaca el Premio Nobel de Literatura por su prestigio
internacional. La cantidad de lectores potenciales creció gracias a la
ampliación de la educación básica y las campañas de alfabetización,
resultando en un aumento sin precedentes de la disponibilidad de libros y otros
formatos que también incluyen literatura, tales como revistas y periódicos.
Durante este
periodo se desarrolla notablemente la teoría de la literatura, empezando por el formalismo
ruso. Su influencia es perceptible en las creaciones contemporáneas,
ya que actúan a modo de antigua preceptiva poética o de sanción de lo
que debe cultivarse. La manifestación de los movimientos actúan en el mismo
sentido.
Como el
desarrollo de corrientes y generaciones varía bastante en función de la zona de
estudio, este artículo aborda la literatura en una estricta división por
décadas, aunque hay movimientos que no se ajusten a esta delimitación temporal
y abarquen períodos más amplios o más cortos.
Eventos históricos y culturales de la época
Ciencia y tecnología
·
Invención
de las aerolíneas
·
Llegada
de la electricidad a las ciudades.
·
Creación
y desarrollo de la electrónica:
el teléfono,
la radio, la televisión,
el fax, el transistor,
los circuito integrados, el láser,
las computadoras e Internet
·
Creación
de las armas
nucleares
·
La
conquista del espacio: vuelo
espacial y alunizaje1969
·
Desarrollo
de electrodomésticos: lavadora, frigorífico, horno, horno
eléctrico, cocinas eléctricas, horno
microondas, aire acondicionado...
·
Agua
corriente en un alto porcentaje de casas (del primer mundo).
·
Extensión
del alcantarillado de las ciudades.
·
Enunciación
de la Teoría de la relatividad y del modelo cosmológico del Big Bang
·
Desarrollo
de la mecánica cuántica y de la física de partículas
·
Descubrimiento
de los antibióticos,
los anticonceptivos,
el trasplante de órganos y avances en clonación.
·
Descripción
de la estructura química del ADN y desarrollo de la biología molecular
·
Creación
y desarrollo de las videoconsolas 1972
Guerras
y revoluciones
|
·
Guerra del
Rif (1911-1927)
·
Revolución rusa (1917-1921)
·
Revolución de Noviembre en Alemania (1918-1919)
·
Guerra del
Chaco (1932-1935)
·
Guerra Fría (1945-1991)
·
Guerra de
Corea (1950-1953)
·
Guerra de
Suez (1956)
·
Crisis del
Congo (1960-1965)
·
Conflicto armado colombiano (1964-presente)
·
Guerra
Cristera México (1926 -1929)
|
·
Genocidio camboyano (1975 - 1979)
·
Revolución Sandinista (1979 - 1990)
·
Guerra del
Golfo (1990-1991)
·
Guerra de
Bosnia (1992-1995)
·
Guerra de
Kosovo (1999)
|
Política
·
Caída
de la Dinastía
Joseon (1910)
·
Caída
del Imperio Ruso (1917)
·
Caída
del Imperio Austrohúngaro (1918)
·
Caída
del Imperio
Alemán (1918)
·
Caída
del Imperio
Otomano (1923)
·
Organización
de la Sociedad de Naciones (1919-1946).
·
Nacimiento
y ocaso de países socialistas.
·
Establecimiento
de la Organización de las Naciones Unidas (1945) y elaboración de la Declaración Universal de los Derechos
Humanos (1948)
·
Conflicto árabe-israelí (1948-presente)
·
Fundación
de la Comunidad Europea del Carbón y del
Acero (1951)
·
Reconocimiento
de los derechos de
las mujeres y los derechos del niño
·
Levantamientos
anticoloniales y luchas de liberación nacional aceleran la descolonización.
·
Caída
del bloque comunista y el Muro de
Berlín
·
Unión Europea (1992)
Desastres
·
Naufragio
del RMS Titanic (1912)
·
Naufragio
del RMS Lusitania (1915)
·
Caída
del LZ 129 Hindenburg (1937)
·
Naufragio
del buque MS Wilhelm
Gustloff, (1945)
(mayor naufragio con víctimas en la historia de la humanidad, con la pérdida de
10.000 vidas alemanas)
·
Torrey Canyon (1967)
·
Amoco Cádiz (1978)
·
Explosión
del volcán Hudson (1991)
Cultura
·
Se
desarrollan nuevas escuelas del cubismo,
el surrealismo y el expresionismo.
·
El cine se convierte en un medio masivo y en
una gran industria. Sus influjos alcanzan la moda y la música.
·
El rock and roll surge como estilo musical y alcanza un
gran desarrollo desde mediados de siglo.
·
El racionalismo arquitectónico surge como escuela propia.
·
El boom latinoamericano de la literatura, con estilos propios
tales como el realismo
mágico.
Características de la música de la época
Por consecuencia directa de la infinidad de variaciones a las que se vio
sometida la música en el siglo XX, las características de cada estilo serían
demasiadas para describir aquí. Por lo tanto, lo descrito a continuación, a
pesar de no ser exhaustivo, es lo bastante general para describir algunas de
las tendencias de lsiglo XX.
Si bien en un principio la música siguió su práctica común, a partir de 1910 tomó
diversos caminos de alejamiento del sistema tonal que ya venían observándose desde
finales del siglo pasado con un uso cada vez más extendido del cromatismo. A partir del inicio del modernismo se dio paso al atonalismo y la experimentación, llegando a mundos sonoros tan
distantes y diversos como el primitivismo de Igor Stravinsky y Bela Bartok,
el dodecafonismo de Arnold
Schoenberg y sus
pupilos, la música microtonal adoptada por Charles Ives y otros, el neoclasicismo de Dimitri Shostakovich y Sergéi Prokófiev durante realismo socialista en la Unión Soviética, la música
concreta de Pierre
Schaeffer y Edgar Varèse,
el serialismo integral de Olivier
Messiaen, Pierre Boulez,
y Luciano Berio entre otros, la música aleatoria de John Cage,
el experimentalismo de Karlheinz Stockhausen, la micropolifonía
de György Ligeti y Krzysztof Penderecki, o la repetición de
notas de los compositores minimalistas como Steve Reich y Philip Glass,
y un sin número de movimientos y compositores que se movían en nuevos estilos
de forma simultanea.
Tipos de composiciones y formas de la música coral e instrumental
La música clásica del
siglo XX (también llamada música culta, académica, erudita,
docta o seria) fue extremadamente diversa. Comenzó con la continuación de
los movimientos vigentes a finales del siglo XIX tales como el estilo romántico tardío y posromántico de Sergéi Rajmáninov, Gustav Mahler y Richard
Strauss, el impresionismo de Claude
Debussy y Maurice Ravel,
y los fervores del nacionalismo en Latinoamérica, Norteamérica,
y Europa fuera de Alemania,
Francia,
e Italia que dominaron por siglos la cultura
musical del continente.
A partir de la segunda década del siglo, la forma y lugar que había ocupado
la música durante los pasados tres siglos en la sociedad, cambiaron para
siempre con la irrupción del modernismo musical, dando fin al período
conocido como práctica común, y entrando en una nueva
era musical de constante búsqueda de lo original, rompiendo permanentemente con
la tradición. Esto generó una enorme diversidad de géneros y movimientos de
difícil categorización y definición, lo que hacia el último cuarto del siglo,
luego de la decadencia de los ideales de la modernidad,
dio paso a la música contemporánea, siendo cada vez más
compleja su diferenciación de otras músicas como el jazz o el art rock,
debido a la creciente globalización y
masificación de los medios de comunicación y de la cultura
popular.
Vivimos en un tiempo en el que creo que no hay una corriente principal,
sino muchas corrientes, o incluso, si se quiere pensar en un río de tiempo, que
hemos llegado a un delta, puede que incluso más allá de un delta, a un océano
que se extiende hasta el cielo. -John Cage, 1992.1
El siglo XX fue también una época en la que los avances tecnológicos como
la grabación y la radiodifusión cambiaron las relaciones sociales y económicas
inherentes a la música. Una persona del siglo XX en el mundo industrializado
tuvo acceso al gramófono para la reproducción de música grabada en discos,
la radio, la televisión y, más tarde, a la música digital con
los discos
compactos. El cine también tuvo un impacto importante en
la música y la cultura a partir de los años 30', con compositores tales como Max Steiner, Erich Wolfgang Korngold, Alfred Newman, Bernard
Herrmann, Ennio
Morricone, Jerry
Goldsmith, y John Williams quienes trabajaron en diversos estilo,
gruesamente catalogados dentro del neorromanticismo.
A mediados del los años setenta se considera el fin de modernismo musical, gracias a la decadencia de
sus valores y los cambios socioculturales de la globalización y los medios de comunicación de masas,
dando pie a lo que se conoce generalmente como música contemporánea o postmoderna,
que contiene otra serie de movimientos musicales tales como la nueva
simplicidad, el espectralismo,
el poliestilismo,
el arte sonoro,
la nueva
complejidad, el art rock,
o la música contemporánea latinoamericana de Egberto
Gismonti y Astor
Piazzolla.
La música docta tuvo también una intensa fertilización cruzada con el jazz, muchos de sus
compositores fueron capaces de trabajar en ambos géneros, como George
Gershwin, o de incluir sonoridades del jazz en música de concierto.
A partir de los años 70's ocurrió algo similar con el rock y la música popular en general.
Antecedentes
y transición al siglo XX (1880 - 1910)
Nacionalismo
El Nacionalismo en música se refiere al uso de materiales que
son reconocibles como nacionales o regionales. Por ejemplo, el uso directo de
la música folclórica, y el uso de melodías, ritmos y armonías inspirados por la misma. El
nacionalismo también incluye el uso del folclore como base conceptual, estética e
ideológica de obras programáticas u óperas.
El nacionalismo es comúnmente relacionado al estilo del romanticismo y Postrromanticismo de mediados del siglo XIX hasta mediados del siglo XX,
al cual se le incorporan elementos locales o folclóricos, aunque existen
evidencias del nacionalismo desde inicios del siglo XVIII.
El término también es usado frecuentemente para describir la música del siglo XX de regiones no dominantes en la
música, sobre todo de Latinoamérica, Norteamérica y Europa
Oriental. Históricamente el nacionalismo musical del siglo XIX ha
sido considerado como una reacción contra el dominio de la música romántica alemana.
Los países relacionados con mucha frecuencia al nacionalismo son: Rusia,Checoslovaquia, Polonia, Hungría, Noruega, Finlandia, Suecia, Grecia, Ucrania,España y Gran Bretaña en Europa, y Estados
Unidos, México, Brasil, Argentina, Chile yCuba en América.
Algunos de los compositores más importantes comúnmente asociados al
nacionalismo en el siglo XX fueron: el brasileño Heitor Villa-Lobos (el primer y más importante compositor
latinoamericano en destacar en los círculos musicales de Europa), el checo Leos Janacek,
el finés Jean Sibelius,
el húngaro Bela Bartok,
el español Manuel de
Falla, el mexicano Silvestre Revueltas, o el estadounidense Aaron Copland,
entre muchos otros.
Post-Romanticismo
Particularmente en la primera parte del siglo, muchos compositores
escribieron música que fue una extensión de la música romántica del siglo XIX. La armonía —salvo mayor complejidad— fue tonal, y
los agrupamientos instrumentales tradicionales, como la orquesta o el cuarteto de cuerdas, se mantuvieron como los
más usuales. Los músicos más representativos de este movimiento fueron Gustav Mahler, Richard Strauss y Sergey Rachmaninov sin embargo muchos de los grandes
compositores modernistas comenzaron sus carreras en este estilo tales como Bela Bartok, Igor
Stravinsky y Arnold
Schoenberg.
Muchos compositores prominentes —entre ellos Dmitri
Kabalevski, Dmitri Shostakóvich y Benjamin
Britten— hicieron significativos avances en el estilo y la técnica
romántica mientras continuaban empleando un lenguaje melódico, armónico,
estructural y textural relacionado con el del siglo XIX, accesible al auditorio
promedio.
Impresionismo
El Impresionismo musical es un movimiento musical surgido a
finales del siglo XIX y principios del XX
sobre todo en la música francesa.
En el Impresionismo musical se da mucha importancia a los timbres,
con los que se consiguen diferentes efectos y también se caracteriza porque los
tiempos no son lineales sino que se ejecutan en sucesión de impresiones. Se
relaciona de esta manera con el Impresionismo pictórico, que conseguía las imágenes
mediante pequeñas pinceladas de color. Fue encabezado por los compositores
franceses Claude
Debussy y Maurice Ravel,
aunque su precursor fue Erik Satie.2 El movimiento, influido por los
pintores foco impresionistas franceses y por la poesía de Paul Verlaine, Charles Baudelaire y Stéphane Mallarmé, acentúa el color tímbrico y
el humor en vez de estructuras formales tales como la sonata y la sinfonía.
Debussy, que también era crítico musical, enfocó el impresionismo como reacción
tanto al interés formal del clasicismo de compositores como Wolfgang Amadeus Mozart y la vehemencia
emocional del romanticismo en compositores como Robert
Schumann y Franz
Schubert. Para la consecución de este fin Debussy combinó elementos
innovadores y tradicionales. Por una parte, utilizó la escala de tonos enteros e intervalos
complejos que hasta ese momento no se habían utilizado, desde la novena en
adelante. También recurrió a los intervalos de cuartas y quinta paralelas
propios de la música
medieval. Estos recursos técnicos aparecen en el temprano poema
sinfónico Preludio a la siesta de un fauno de 1894, basado en un poema
de Mallarmé. La extensa obra pianística de Debussy requirió nuevas técnicas
interpretativas, que incluían un generoso pero sensible uso de los pedales para
crear un torrente indiferenciado de sonido.
La música impresionista francesa continuó su evolución en la obra de Maurice Ravel.
Otros compositores de esta escuela en Francia fueron Paul Dukas, Gabriel Fauré, Albert
Roussel, Alexis Roland-Manuel, André Caplet y Florent
Schmitt. También influyó fuertemente en los compositores de la
vecina España tales como Isaac Albéniz, Manuel de
Falla, Joaquín
Rodrigo y Enrique
Granados quienes le
dieron un toque nacional al estilo. El impresionismo, concebido por Debussy
como tendencia contraria al romanticismo, fue visto como la fase final de la
música romántica.
Modernismo
(1910 - 1975)
Se da el nombre de modernismo a una serie de movimientos basados en
el concepto de que, siendo el siglo XX una época de fundamentales cambios
sociales y tecnológicos, el arte debe adoptar y desarrollar estos
principios como fundamento estético. El modernismo toma el espíritu progresista
de fines del siglo XIX y su apego por el rigor del avance tecnológico, por lo
que lo despega de las normas y formalismos del arte de la época y la tradición.
De esta manera la característica principal del modernismo es la pluralidad del
lenguaje, entendiendo que ningún lenguaje musical en particular asumió una
posición dominante.
Técnicamente hablando el modernismo musical tiene tres características
principales que lo distinguen de los períodos anteriores:
·
La expansión o
abandono de la tonalidad.
·
El uso de las técnicas extendidas.
·
La incorporación de sonidos y ruidos novedosos en la composición.
Futurismo
El futurismo fue uno de los movimientos iniciales
de vanguardia en la Europa del Siglo XX. Esta corriente artística fue fundada
en Italia por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, quien redacta
el Manifiesto Futurista, y lo publica el
20 de febrero de 1909 en el diario Le Figaro de París.
Este movimiento buscaba la ruptura con las tradiciones artísticas del
pasado y los signos convencionales de la historia del
arte. Intentó enaltecer la vida contemporánea, esto por medio de dos
temas principales: la máquina y el movimiento. El futurismo recurría a
cualquier medio de expresión; artes plásticas, arquitectura, poesía,
publicidad, moda, cine y música; con el fin de construir de nuevo el perfil del
mundo.
Los primeros trabajos futuristas en el campo de la música empezaron en
1910, mismo año en que se firma el Manifiesto
de los músicos futuristas. Los principales compositores futuristas fueron
los italianos Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo.
Russolo concibe en este manifiesto El arte de los ruidos de 1913, como una
consecuencia a los estudios previamente realizados por Pratella. La «música de
ruidos» fue posteriormente incorporada a las performances, como música de fondo
o como una especie de partitura o guía para los movimientos de los intérpretes,
además inventó una máquina de ruido llamada Intonarumori o "entonador de ruidos", que
fue duramente criticada en su época. Entre sus obras más significativas destaca Los Relámpagos de 1910.
Russolo fue el antecedente de la música
concreta, un lenguaje sonoro en el cual se utilizaba cualquier
sonido, fuese este uno producido por la naturaleza o por la técnica (técnica
gutural, fuesen palabras o un lenguaje inarticulado).
Crisis de la tonalidad y
atonalismo
Los primeros antecedentes de la música europea sin un centro tonal se
encuentran enFranz Liszt con
su Bagatella sin tonalidad de 1885, período que ya se
hablaba de una "crisis de la tonalidad". Esta crisis se generó a
partir del uso cada vez más frecuente de acordes ambiguos, inflexiones
armónicas menos probables, y las inflexiones melódicas y rítmicas más inusuales
posibles dentro de la música tonal. La distinción entre lo
excepcional y lo normal se hizo más y más borrosa, y como resultado, se produjo
un aflojamiento concomitante de los enlaces sintácticos a través de los cuales
los tonos y armonías habían sido relacionados entre sí. Las conexiones entre las armonías eran inciertas, las relaciones y sus
consecuencias se volvieron tan tenues que apenas funcionaban en absoluto. A lo
sumo, las probabilidades del sistema tonal se habían vuelto demasiado oscuras;
en el peor de los casos, se estaban acercando a una uniformidad que
proporcionan pocas guías para la composición o la escucha. A principios del
siglo XX compositores como Claude
Debussy, Aleksandr Skriabin, Béla Bartók, Paul
Hindemith, Sergei
Prokofiev, Carl Ruggles, Igor
Stravinsky y Edgard Varèse,
escribieron música que se ha descrito, total o parcialmente, como atonal.Aleksandr Skriabin realizó un particular estilo de
impresionismo y atonalidad, basando obras como Mysterium, Poema del éxtasis o Prometeo: el poema de fuego en un acorde por cuartas y tritonos
llamado "acorde místico", muy alejado de los
habituales acordes de tríada formados por intervalos de tercera.
La primera fase del atonalismo (antecesora del dodecafonismo),
conocida como "atonalidad libre" o "cromatismo libre",
implicó un intento consciente de evitar la armonía diatónica tradicional. Las obras más
importantes de este periodo son la ópera Wozzeck (1917-1922) de Alban Berg y Pierrot
Lunaire (1912) de Arnold
Schoenberg. El primer período de piezas libremente atonales de
Schoenberg (de 1908 a 1923), tienen a menudo como un elemento integrador a una
célula interválica que, además de la expansión se puede transformar en una fila
de tonos, y en el que las notas individuales pueden "funcionar como
elementos fundamentales, para permitir la superposición de estados de una célula
básica o la interconexión de dos o más células básicas". Otros
compositores en Estados Unidos como Charles Ives, Henry Cowell y más adelante George
Antheil, produjeron música impactante para la audiencia de la época
por su desprecio de las convenciones musicales. Combinaron frecuentemente
música popular con aglutinación o politonalidad,
extremas disonancias, y una complejidad rítmica en apariencia inejecutable. Charles Seeger enunció el concepto de contrapunto
disonante, una técnica usada por Carl Ruggles, Ruth Crawford-Seeger, y otros.
Primitivismo
El primitivismo fue un movimiento de las artes que pretendía rescatar el
folclor más arcaico de ciertas regiones con un lenguaje moderno. Similar al
nacionalismo en su afán por rescatar lo local, el primitivismo incorporó además métricas yacentuaciones irregulares, un mayor uso de la percusión y otros timbres, escalas
modales, y armonía politonal y atonal.
Dentro de la música los dos gigantes de este movimiento fueron el ruso Igor
Stravinsky y el
húngaro Bela Bartok,
aunque la obra de ambos sobrepasa con creces la denominación
"primitivista".
El primero de los períodos estilísticos mayores de Stravinski (excluyendo
algunos trabajos menores tempranos) fue inaugurado por los tres ballets que
compuso para Diáguilev. Estos ballets tienen varias características
compartidas: están hechos para ser interpretados por orquestas sumamente
grandes; los temas y motivos argumentales se basan en el folclore ruso; y
llevan la marca de Rimski-Kórsakovtanto
en su desarrollo como en su instrumentación. El primero de los ballets, El pájaro de fuego (1910), es notable por su inusual
introducción (tríos de cuerdas bajas) y barrido de la orquestación. Petrushka (1911), también se anota distintamente
y es el primero de los ballets de Stravinski que utiliza la mitología folclórica Rusa. Pero es en el tercer
ballet, La consagración de la primavera (1913), el que generalmente es
considerado la apoteosis del "Período Primitivista Ruso" de
Stravinski. Aquí, el compositor utiliza la brutalidad de la Rusia pagana,
reflejando estos sentimientos en la agresiva interpretación, armonía
politonal y ritmos
abruptos que aparecen a lo largo del trabajo. Hay varios pasajes famosos en
esta obra, pero dos son de nota particular: el primer tema basado en los
sonidos del fagot con las notas en el límite de su registro, casi fuera de
rango; y el ataque rítmicamente irregular (utilizando el recurso típico del
período ruso stravinskiano de tomar una célula rítmica breve e ir desplazando
su acentuación) de dos acordes superpuestos utilizando solo el talón del arco
por las cuerdas y
haciendo más evidente la reorganización permanentemente cambiante del motivo
inicial, duplicando con los bronces los acordes que resultan acentuados cada
vez. La consagración es generalmente considerada no sólo la obra más importante
del primitivismo o de Stravinsky, sino que de todo el siglo XX, tanto por su
ruptura con la tradición, como por la influencia en todo el mundo.
Otras piezas destacadas de este estilo incluyen: El Ruiseñor (1914), Renard (1916), Historia de un soldado (1918), y Las bodas (1923), instrumentada para la original
combinación de cuatro pianos y percusión, con participación vocal. En estas
obras el músico llevó al límite la herencia de la escuela nacionalista rusa
hasta prácticamente agotarla.
Bartók fue un músico húngaro que destacó como compositor, pianista e
investigador de música folclórica de la Europa
oriental (especialmente
de losBalcanes).
Bartók fue uno de los fundadores de la etnomusicología,
basada en las relaciones que unen la etnología y la musicología.
A partir de sus investigaciones desarrolló un estilo muy personal e innovador.
A partir de 1905, profundiza sus conocimientos en la música tradicional y
las canciones folclóricas magiares, en
sintonía con el auge de los movimientos nacionalistas. Toma entonces conciencia
de la necesidad de preservar la memoria musical tradicional de su país. Junto
con Zoltán Kodály, comenzó a recorrer los pueblos
de Hungría y Rumanía para recoger miles de melodías y
canciones que transcribieron y grabaron con un gramófono.
Extendieron luego esa labor a buena parte de los pueblos de la Europa
central y hasta Turquía.
Anteriormente, se pensaba que la música folclórica húngara se basaba en
melodías zíngaras.
Pero Bartók descubrió que las antiguas melodías húngaras se basaban en escalas pentatónicas, al igual que la música
asiática o la deSiberia.
Bartók escribió una buena cantidad de pequeñas piezas para piano derivadas de
la música folclórica, y creó acompañamientos para canciones populares.
Nunca habló de su técnica compositiva, sino que ha sido el musicólogo
húngaro Ernö Lendvai quien dedicó gran parte de su vida a descubrir las bases
de este sistema. Según Lendvai, la música de Bartók está basada en gran parte
en sus investigaciones con el folklore, en especial del húngaro, y podría
dividirse en dos grandes bloques, distintos en cuanto a concepción pero
complementarios entre sí, llegando a alternarse incluso en una misma obra en distintas
secciones; son el sistema diatónico, basado en la música folklórica, sus modos
y ritmos, en la escala acústica, y en otros procedimientos que no entraremos a
valorar, y el Sistema cromático, influenciado también por el folklore, y que se
basa por un lado en el Sistema axial, y por otro en la Proporción áurea. Su obra más puramente
"primitivista" sea probablemente Allegro Barbaro(1911),
junto con una gran cantidad de canciones y danzas folclóricas que Bartok
recopiló y musicalizó provenientes del oriente Europeo. Ese mismo año escribió
la que fue su única ópera, El castillo de Barba Azul. Durante la
Primera Guerra Mundial, escribió los ballets El príncipe de madera y El mandarín maravilloso, seguidos por
dos sonatas para violín y piano, que son armónica y estructuralmente unas de
sus más complejas piezas. Su afán de experimentación lo llevó a un estilo cada
vez más único y genial, con obras como la Música para cuerda, percusión y
celesta, la Sonata para
dos pianos y percusión, además de 6 cuartetos de cuerda, la obra
para piano Mikrokosmos,
y los tres conciertos para piano y orquesta.
Microtonalismo
El microtonalismo es la música que utiliza microtonos (los intervalos musicales menores que
un semitono). El músico estadounidense Charles Ives definía a los microtonos de manera
humorística como “las notas entre las teclas del piano”. Experimentando con el violín en 1895, el mexicano Julián
Carrillo (1875-1965)
distingue dieciséis sonidos claramente diferentes entre los lanzamientos de G y
A emitida por la cuarta cuerda de violín. Llamó a estas distinciones
microtonales Sonido 13 y escribió sobre la teoría de la
música y la física de la música. Inventó un simple notación numérica para
representar las escalas musicales sobre la base de cualquier división de la
octava, como tercios, cuartos, quintos, sextos, séptimos, y así sucesivamente
(incluso escribió, la mayoría de las veces, para cuartos, octavos y
dieciseisavos combinados, la notación es la intención de representar cualquier
subdivisión imaginable). Inventó nuevos instrumentos musicales, y otros los adaptó
para producir microintervalos. Compuso una gran cantidad de música microtonal y
grabó 30 de sus composiciones. En los años 1910 y 1920, los cuartos de
tono y otras
subdivisiones de la octava recibieron la atención de otros compositores como Charles Ives, Alois Haba (1/4 y 1/6 de tono), Ivan Wyschnegradsky (1/4, 1/6, 1/12 y escalas no
octabables), Ferruccio
Busoni (quien hizo
algunos experimentos infructuosos en la adaptación de un piano de tercios de
tono), Mildred Couper y Harry Partch. Erwin
Schulhoff dio clases
de composición con cuartos de tono en el Conservatorio de Praga. Destacados
compositores microtonales o investigadores de los años 1940 y 1950 incluyeron a Adriaan
Fokker (31 tonos
iguales por octava), y a Groven Eivind. La música
microtonal nunca tuvo demasiada aceptación y fue considerada en adelante casi
exclusivamente por los músicos de Vanguardia.
Segunda Escuela Vienesa,
dodecafonismo y serialismo
Artículos principales: Segunda escuela de viena, Dodecafonismo, Serialismo yExpresionismo.
Una de las más significativas figuras en la música del siglo XX es Arnold
Schoenberg. Sus primeros trabajos pertenecen al estilo romántico
tardío, influenciado por Richard
Wagner y Gustav Mahler,
pero al final abandonó el sistema de composición tonal para escribir música atonal.
Con el tiempo, desarrolló la técnica del dodecafonismo,
proponiéndola en 1923 en reemplazo de la organización tonal
tradicional.
Sus alumnos Anton Webern y Alban Berg también desarrollaron y profundizaron
el uso del sistema dodecafónico, y destacaron por el
uso de tal técnica bajo reglas propias. Los tres son conocidos, familiarmente,
como La Trinidad Schoenberg, o laSegunda Escuela Vienesa. Este nombre se
creó para resaltar que esta Nueva Música tuvo el mismo efecto innovador que la Primera Escuela de Viena de Haydn,Mozart y Beethoven.
El dodecafonismo fue una forma de música atonal, con una técnica de
composición en la cual las 12 notas de la escala cromática son tratadas como
equivalentes, es decir, sujetas a una relación ordenada que (a diferencia del
sistema mayor-menor de la tonalidad) no establece jerarquía entre las notas. Lo
que hizo el fundador de la música dodecafónica, Schönberg, fue prohibir por
estatuto usar una nota más que otra: la melodía dodecafónica debe llevar las 12
notas que hay en la escala cromática. Se escribe siguiendo el principio de que
todos los doce semitonos o notas son de igual importancia. La relación interna
se establece a partir del uso de una serie compuesta por las doce notas. El
compositor decide el orden en que aparecen con la condición de que no se repita
ninguna hasta el final.
La música de Schoenberg y la de sus seguidores fue muy controvertida en sus
días, y así permanece todavía en alguna medida. Como carece de un sentido demelodía definida, algunos oyentes la encontraban
—y todavía la encuentran— difícil de seguir. A pesar de ello, actualmente se
siguen interpretando, estudiando y escuchando obras como Pierrot
Lunaire, mientras que se han olvidado otras composiciones
contemporáneas que en su momento se consideraban más aceptables. En gran
medida, la causa de esto es que su estilo pionero resultó muy influyente,
incluso entre compositores que continuaron componiendo música tonal. A partir
de ellas, muchos compositores han escrito música no basada en la tonalidad
tradicional.
El serialismo integral representa un paso más adelante del
dodecafonismo, y fue creada por el que fue discípulo de Schönberg, Anton Webern:
se establece un orden no sólo para la sucesión de las diferentes alturas, sino
para la sucesión de las diferentes duraciones (las "figuras", como la negra, corchea,
etc.) y la sucesión de las dinámicas (los niveles de intensidad
sonora), como también para la articulación. Todas estas series se
repiten durante el transcurso de una obra. La técnica se ha llamado serialismo
integral para distinguirla del serialismo limitado del dodecafonismo.
Irónicamente, después de años de impopularidad, el estilo puntillista de Webern
—en el que los sonidos individuales son cuidadosamente ubicados en la obra de
manera que cada uno tiene importancia— se convirtió en norma en Europa durante
los años cincuenta y sesenta, y fue muy influyente entre compositores de la
postguerra como Olivier
Messiaen, Pierre Boulez, Luciano Berio, Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen e Igor
Stravinsky.
Neoclasicismo
El neoclasicismo en
música refiere al movimiento del siglo XX que retomó una práctica común de
tradición en cuanto a la armonía, al melodía, la forma, los timbres y los
ritmos, pero mezclada con grandes disonancias atonales y ritmos sincopados,
como punto de partida para componer música. Ígor
Stravinski, Paul
Hindemith, Sergéi Prokófiev, Dmitri Shostakóvich y Béla Bartók son los compositores más importantes
usualmente mencionados en este estilo, pero también el prolífico Darius
Milhaud y sus
contemporáneos Francis
Poulenc y Arthur
Honegger.
El neoclasicismo nació al mismo tiempo que el retorno general a modelos
racionales en las artes, en respuesta a la primera guerra mundial. Más pequeño, más
escaso, más ordenado fueron las tendencias concebidas como respuesta a la
saturación emocional que muchos sintieron había empujado a la gente a las
trincheras. Teniendo en cuenta que los problemas económicos favorecían grupos
más pequeños, la búsqueda por hacer “más con menos” se tornó en consecuencia
una práctica obligada. Historia del soldado de Stravinski es por esta razón una
semilla de pieza neoclásica, como sucede también en el concierto Los robles de Dumbarton,
en su Sinfonía para
instrumentos de viento o
en la Sinfonía en do. La
culminación neoclásica de Stravinski es su ópera El progreso del libertino («Rake's Progress»), con libreto del
bien conocido poeta modernista W. H. Auden.
Durante un tiempo, el alemán Paul
Hindemith fue rival de
Stravinski en el neoclasicismo, mezclando punzantes disonancias, polifonía y
cromatismo libre dentro de un estilo utilitario. Hindemith produjo trabajos de
cámara y orquestales en este estilo, quizá el más famoso de ellos sea Mathis der
Maler. Su producción de cámara incluye su Sonata para
corno inglés y piano, un trabajo expresionista lleno de detalles
oscuros y conexiones internas.
El neoclasicismo encontró una audiencia interesada en EE.UU.; la escuela de Nadia Boulanger promulgó ideas musicales basadas en la
comprensión de la música de Stravinski. Entre sus estudiantes se encuentran
músicos neoclásicos como Elliott
Carter (en su primer
época), Aaron Copland, Roy Harris, Darius
Milhaud, Astor
Piazzolla y Virgil
Thomson.
El rasgo más audible del neoclasicismo son melodías que usan la tercera
como intervalo fijo, y agregan cromáticamente notas disonantes al ostinato,
bloques armónicos y mezcla libre de polirritmos. El neoclasicismo ganó gran
aceptación de la audiencia con rapidez, y fue internalizado por aquellos
opositores al atonalismo como la verdadera música moderna.
En el contexto de la Unión Soviética, particularmente durante el
gobierno de Iósif Stalin,
el neoclasicismo se ubicó dentro del realismo socialista. Esta fue una corriente
estética cuyo propósito fue expandir el conocimiento de los problemas sociales
y las vivencias de los hombres por medio del arte. De esta manera los
prominentes compositores Serguéi Prokófiev y Dmitri Shostakóvich tuvieron que componer forzadamente en
este estilo, incorporando elementos nacionalistas y valores comunistas, pues
cualquier tipo de vanguardia se consideraba como parte de la decadencia de la burguesía de occidente.
Música electrónica y concreta
Los avances tecnológicos en el siglo XX permitieron a los compositores
utilizar medios electrónicos para producir sonidos. En Francia se desarrolló la música
concretaescuela que producía sonidos existentes en el mundo. Se
llama concreta porque según Pierre
Schaeffer, su inventor, planteaba que está producida por objetos
concretos y no por los abstractos que serían los instrumentos musicales tradicionales. El primero que dispuso
de esos medios fue Edgar Varese,
quien presentó Poème électronique en el pabellón Philips de la
Exposición de Bruselas en 1958. En 1951, Schaeffer, junto a Pierre Henry,
crearon el Grupo de Investigación de Música Concreta en París. Pronto atrajo un
gran interés, y entre los que se acercaron se encontraban diferentes
compositores significativos como Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Jean Barraqué, Karlheinz Stockhausen, Edgard Varese, Iannis
Xenakis, Michel Philippot yArthur
Honegger. La producción compositiva entre 1951 y 1953 comprendió
Étude I (1951) y Étude II (1951) por Boulez, Timbres-durées (1952) por
Messiaen, Étude (1952) por Stockhausen, Le microphone bien tempéré (1952) y La
voile d’Orphée (1953) por Henry, Étude I (1953) por Philippot, Étude (1953) por
Barraqué, las piezas mezcladas Toute la lyre (1951) y Orphée 53 (1953) por
Schaeffer/Henry, y la música para película Masquerage (1952) por Schaeffer y
Astrologie (1953) por Henry. En 1954 Varèse y Honegger visitaron el estudio
para trabajar en las partes en cinta de Déserts y La rivière endormie. EnAlemania en cambio la forma se usar la
tecnología se llamó música electrónica, que es aquella que
utiliza solamente sonidos producidos electrónicamente. El primer concierto
tendría lugar en Darmstadt en 1951, sin embargo la primera obra
de importancia sería El canto de los adolescentes de Karlheinz Stockhausen de 1956. En EE. UU., Milton
Babbitt usó el sintetizador
RCA Mark II para crear música. Otros compositores abandonaron los instrumentos
convencionales, y usaron cintas magnéticas para crear música, grabar sonidos, y
manipularlos de alguna manera. Hymnen (de Stockhausen),Déserts (de Edgard Varése) y Sincronismos (de Mario Davidovsky) ofrecen
unos pocos ejemplos. Esta posibilidad tomó muchas formas: algunos compositores
simplemente incorporaron instrumentos electrónicos dentro de piezas
relativamente convencionales. Olivier
Messiaen, por ejemplo, usó las Ondas
Martenot en cierto
número de trabajos. Oskar Sala creó la pista no musical para la
película Los pájaros (de Alfred
Hitchcock) usando el trautonium,
un instrumento electrónico que él mismo ayudó a desarrollar. Morton Subotnick proveyó la música electrónica para 2001, una odisea del espacio.
Otros compositores como Luigi Russolo, Mauricio
Kagel y Joe Meek también
aportaron a la investigación y exploración de la música electrónica.
Iannis
Xenakis es otro
compositor moderno que ha usado computadoras e instrumentos electrónicos
(incluido uno inventado por él) en muchas composiciones. Algunos de estos
trabajos electrónicos son piezas suavemente ambientadas, y otras muestran una
violenta y salvaje sonoridad. Compositores como Alvin Lucier, Gordon Mumma y David Tudor crearon e interpretaron música
electrónica en vivo, a menudo diseñando sus propios instrumentos o usando
cintas. En el siglo XX florecieron una cantidad de instituciones especializas
en música electrónica, siendo quizá el IRCAM de París la más conocida.
Música aleatoria y vanguadismo
radical
Si bien el modernismo en sí es música de vanguardia, el vanguardismo dentro
de ella se refiere a los movimientos más radicales y controversiales, donde el
concepto de música llega hasta sus límites -si no ya los sobrepasa- utilizando
elementos como ruidos, grabaciónes,
el sentido del
humor, el azar, laimprovisación,
el teatro, el absurdo,
el ridículo,
o la sorpresa.
Dentro de los géneros generalmente ubicados dentro de esta corriente radical se
encuentra la música aleatoria, la música electrónica en vivo, el teatro
musical, la música ritual, la composición de procesos, el happening musical, o la música intuitiva, entre
muchas otras. Entre los compositores más trascendentales que incursionaron en
estas aventuras se encuentra John Cage en América y Karlheinz Stockhausen en Europa.
La música aleatoria o de azar es una técnica compositiva musical basada en
el recurso a elementos no regulados por pautas establecidas y en la que
adquiere un papel preponderante, es la improvisación a partir de las secuencias no estructuradas. Tales rasgos
improvisadores pueden fijarse en la creación del autor o en el desarrollo de la
propia interpretación.
Es frecuente, en consecuencia, lacomposición de
piezas aleatorias en las que el ejecutante determina la estructura final de la
obra, mediante la reordenación de cada una de las secciones de la misma, o
incluso mediante la interpretación simultánea de varias de ellas.
El azar es un rasgo definitorio de esta
técnica compositiva que alcanzaría una notable difusión a partir de la década
de1950.
Las corrientes aleatorias tuvieron algunas de sus más significativas
representaciones en las creaciones del estadounidense John Cage con Music of Changes (1951) o 4′33″ (probablemente la obra más radical del
siglo XX, famosa por consistir en la indicación de no tocar por 4 minutos y 33 segundos).
También fue notable el uso del I Ching,
un antiguo texto chino clásico sobre eventos cambiantes, el cual se convirtió
en la herramienta compositiva habitual de Cage. Conocido también por la
invención del piano
preparado, compuso varias obras entre las que destaca Sonatas e interludios. El alemán Karlheinz Stockhausen con Hymnen (1967), y la electrónica Gesang der Jünglinge,
fueron hitos importantes. Otros compositores como los italianos Bruno Maderna y Franco
Donatoni, el polaco Witold Lutosławski, el griego Iannis
Xenakis, el húngaro Gyorgy Ligeti,
el español Luis de Pablo,
los argentinos Alberto
Ginastera, y Mauricio
Kagel y los franceses Edgar Varese y Pierre Boulez también fueron significativos.
Las más destacadas modalidades en las que se plantea la creación aleatoria en
la música contemporánea son la forma móvil, que impone
diversas soluciones interpretativas de rango equiparable; la forma variable, en
la que predomina la improvisación; y el llamado work in progress, que
constituye el máximo grado de azar en la ejecución de la pieza. En todas ellas
suelen incorporarse instrumentos clásicos, con especial atención al piano, y medios de
ejecución electrónicos tales como sintetizadores,
distorsionadores y cintas grabadas.
Micropolifonía y masas sonoras
En palabras de David Cope la micropolifonía se trata de «una simultaneidad de diferentes líneas, ritmos y timbres».3 La técnica fue desarrollada por György Ligeti, quien la explicó así: «La compleja polifonía de las voces individuales está enmarcada en un flujo armónico-musical, en el que las armonías no cambian súbitamente, sino que se van convirtiendo en otras; una combinación interválica discernible es gradualmente haciéndose borrosa, y de esta nubosidad es posible sentir que una nueva combinación interválica está tomando forma». «La micropolifonía se asemeja a los clústers, pero difiere de ellos en el uso que hace de líneas más dinámicas que estáticas».3 El primer ejemplo de micropolifonía en la obra de Ligeti se produce en el segundo movimiento de su composición orquestal Apparitions.4 También son pioneras en la aplicación de esta técnica su siguiente trabajo para orquesta Atmosphères y el primer movimiento de su Requiem, para soprano,mezzosoprano, coro mixto y orquesta sinfónica. Esta última obra alcanzó gran popularidad debido a que formó parte de labanda sonora de la película de Stanley Kubrick 2001: Una odisea del espacio
La técnica de la micropolifonía es más fácil de aplicar con agrupaciones más
grandes o con instrumentos musicalespolifónicos como el piano.3 Aunque el Poème Symphonique para 100 metrónomos crea «micropolifonía de una
complejidad sin parangón».5 Muchas de las piezas para piano de
Ligeti son ejemplos de micropolifonía aplicados a esquemas rítmicosderivados
del complejo "minimalismo" de Steve Reich y de la música de los pigmeos.
Intrínsecamente relacionada con la micropolifonía esta la masa de sonido o
masa sonora que es una textura
musical cuya composición, en contraste con otras texturas
más tradicionales, «minimiza la importancia de lasalturas
musicales individuales
para preferir la textura, el timbre y ladinámica como
principales formadores del gesto y el impacto».6
Esta técnica fue desarrollada partiendo de los clústers utilizados
por elmodernismo musical y después se extendió a la escritura orquestal hacia
finales de los años 1950 y 60.
La masa sonora «difumina la frontera entre el sonido y el ruido».6 Una textura puede disponerse de tal
manera que «esté muy próxima al status de conjunto fusionado de timbres de un
único objeto, por ejemplo el hermoso acorde Northern
lights, en una distribución muy interesante de alturas, produce un sonido
fusionado que se apoya en un redoble de platillo suspendido.»7
Otros de los compositores más importantes de esta técnica fueron el polaco Krzysztof Penderecki con su obra Treno a las víctimas de Hiroshima y el griego Iannis
Xenakis con su obra Metástasis.
Minimalismo
Varios compositores de la década de los sesenta comenzaron a explorar lo
que ahora llamamos minimalismo. La más específica definición de minimalismo
refiere al dominio de los procesos en música donde los fragmentos se superponen
en capas unos a otros, a menudo se repiten, para producir la totalidad de la
trama sonora. Ejemplos tempranos incluyen In
C (de Terry Riley)
y Drumming (de Steve Reich).
La primera de estas obras hizo que Riley fuera considerado por muchos el padre
del minimalismo; es una pieza formada por celdas melódicas comprimidas, que
cada intérprete en un conjunto toca a su propio tempo. La onda minimalista de
compositores —Terry Riley, Philip Glass, Steve Reich, La Monte
Young, John Adams y Michael Nyman,
para nombrar los más importantes— deseaban hacer la música accesible para los
oyentes comunes, expresando cuestiones específicas y concretas de la forma
dramática y musical, sin ocultarlas bajo la técnica, sino más bien haciéndolas
explícitas, volviendo a las triadas mayores y menores de la música tonal, pero
sin utilizar la funcionalidad armónica tradicional.
Una diferencia clave entre el minimalismo y la música previa es el uso de
diferentes celdas "fuera de fase", a gusto de los intérpretes; compare
esto con la obertura de El oro
del Rin de Richard
Wagner, donde a pesar del uso de triadas de celdas, cada parte está
controlada por un mismo impulso y se mueve a la misma velocidad.
La música minimalista resulta controvertida para oyentes tradicionales. Sus
críticos la encuentran demasiado repetitiva y vacía, mientras que sus
defensores argumentan que los elementos fijos que a menudo son permanentes
producen mayor interés en los pequeños cambios. De todas formas, el minimalismo
han inspirado e influenciado a muchos compositores habitualmente no etiquetados
como minimalistas (como Karlheinz Stockhausen y György Ligeti).
Compositores como Arvo Pärt, John Tavener y Henryk
Górecki, cuya Sinfonía
N.º 3 fue el álbum
clásico más vendido en los años noventa, encontraron gran éxito en lo que se ha
dado en llamar “minimalismo feliz” en obras de profundo sentido religioso.
La siguiente ola de compositores que incursionaron en este estilo no son
llamados minimalistas por algunos, pero sí por otros. Por ejemplo, el
compositor de ópera John Adams, y su alumno Aaron Jay Kernis. La
expansión del miminalismo de un sistema musical a música dependiente de la
textura para acompañar el movimiento ha generado una diversidad de
composiciones y compositores.
Influencias del jazz
Desde principios del siglo la música afroamericana y el jazz influyó
notablemente a compositores dentro y fuera de Estados
Unidos. Dentro del país americano destacó Charles Ives y por sobre todos George
Gershwin. Sin embargo compositores afroamericanos más vinculados al jazz también
incursionaron en obras que estaban en un límite poco claro entre ambas músicas.
Compositores tales como Will Marion
Cook, Scott Joplin y Duke
Ellington tuvieron una
influencia indiscutida en la música docta de Estados Unidos. Algunas de las
obras más importantes de principios de siglo que combinaron elementos del
lenguaje del jazz con estilos clásicos fueron Rhapsody in
Blue de George
Gershwin, El rincón de los niños de Claude
Debussy, los conciertos
para piano en Re y en Sol de Maurice Ravel,
el Ragtime para 11
instrumentos de Ígor
Stravinski, o la Suite para piano 1922 de Paul Hindemith,
entre muchas otras.
En la segunda mitad del siglo XX surgió el movimiento llamado Third Stream,
literalmente Tercera corriente,
aplicado a un estilo de hacer música que en los años 50 y 60 pretendió ofertar una vía de
desarrollo que integraba las técnicas tanto del jazz como de la la música clásica. El término Third Stream fue acuñado por el compositor y solista de trompa, Gunther
Schuller, a finales de los años 50, para describir la música que estaban desarrollando algunos artistas intentando establecer un puente entre las disciplinas y formas
musicales europeas y el espírituy
la técnica del jazz. A tal fin, Schuller fundó un "Third Stream Department",
en el Conservatorio de Nueva
Inglaterra. En sentido amplio, la tercera
corriente es parte de un
proceso general de abolición de barreras musicales entre las diferentes clases
de música.8 El origen del estilo suele fijarse en
la evolución generada a partir de los postulados del Cool y el West Coast
jazz, lo que sitúa a muchos otros músicos en la frontera entre
ambos. El trombonista y violonchelista David Baker, elpianista Ran Blake,
o el saxofonista y arreglista Bob Graettinger,
fueron algunos de los músicos más implicados en la búsqueda de una verdadera third stream, aunque en el
entorno de este estilo se han movido un importante número de músicos de peso en
la historia del jazz: Modern Jazz Quartet, Gil Evans, Don Ellis, Bill Russo, George
Russell, sin necesidad de irse a fusiones mucho más evidentes, como los arreglos
de Jacques
Loussier sobre la
música de Bach.
Las opciones menos pretenciosas de esta corriente, acaban generando la
aparición de un género típicamente europeo, asentado en sellos como ECM, que se conforman en grupos inusuales, dúos o solistas, que prescinden de un gran
número de los elementos que habían caracterizado el jazz de los años 40 y 50:
Explosiva energía, dureza, expresividad, intensidad, éxtasis y aceptación de la
fealdad, para impulsar una estetización del jazz.9 Hacia finales del siglo XX el jazz
europeo contemporáneo y la música clásica contemporánea se encuentran un estado
de indiferenciación casi absoluta.
Música cinematográfica
Desde la llegada del cine sonoro a principios de la década de los 30',
la música cumplió un rol crucial en la industria y el arte del cine. Muchos de
los grandes compositores de la década tales como los rusos Prokófiev y Shostakovich,
incursionaron también en esta área. Sin embargo llaman la atención ciertos
compositores que se dedicaron casi exclusivamente a trabajar a través del cine.
Aunque las musicalización de largometrajes durante los años 1940 estaban
rezagadas décadas detrás de las innovaciones técnicas en el campo de la música
de concierto, la década de 1950 vio el auge de la música para el cine
modernista. El director Elia Kazan fue abierto a la idea de las
influencias del jazz y las obras disonantes y trabajó con Alex North,
cuya partitura de A Streetcar
Named Desire (1951) combina
la disonancia con elementos de blues y jazz. Kazan también se
acercó a Leonard
Bernstein para
musicalizar On the Waterfront (1954) y el resultado fue una
reminiscencia de las primeras obras de Aaron Copland e Igor
Stravinsky, con sus "jazz basados en
armonías y emocionantes ritmos aditivos". Un año después, Leonard
Rosenman, inspirado por Arnold
Schoenberg, experimentó con la atonalidad en sus calificaciones de
al Este del Edén (1955) y Rebelde sin causa (1955). En sus diez años de
colaboración con Alfred
Hitchcock, Bernard
Herrmann experimentó
con ideas en Vertigo (1958), Psycho (1960)
y Los pájaros (1963). El uso de la música
no-diegética de jazz fue otra innovación modernista, como la musicalización de
la estrella del jazz Duke
Ellington a la obra de Otto
Preminger Anatomía
de un asesinato (1959).
Dentro de las grandes obras musicales del cine se encuentran Max Steiner con; The Informer (1935), Now, Voyager(1942), y Since You Went Away (1944), King Kong (1933), Little Women (1933), Jezebel (1938), Casablanca (1942), yGone with the Wind (1939). Erich
Wolfgang Korngold con; The Adventures of Robin Hood. Alfred Newman con; How the West
Was Won,The Greatest
Story Ever Told. Bernard Herrmann con; North by Northwest, The Man Who
Knew Too Much,Citizen Kane, The Ghost and
Mrs. Muir,
y Taxi Driver. Ennio Morricone; The Good, The
Bad And The Ugly (1966), Once Upon a
Time in the West, The Mission (1986), The Untouchables (1987), y Cinema Paradiso. Jerry Goldsmith; Planet of the Apes, Chinatown, The Wind and
the Lion, The Omen, Alien, Poltergeist. John Williams con; las dos trilogías de Star Wars,Jaws, Superman, Indiana Jones, E.T., el extraterrestre, Hook, Jurassic Park, Schindler's
List, y Harry Potter entre muchísimas otras. Otros de los
grandes compositores, especialmente del último cuarto de siglo en adelante han
sido Nino Rota, Howard Shore, James Horner, Alan
Silvestri, Danny Elfman, Hans Zimmer y Henry Mancini
Música
contemporánea (1975 - actualidad)
Nacimiento del posmodernismo
El posmodernismo puede ser considerado una respuesta al
modernismo que defiende los productos de la actividad humana —particularmente
los manufacturados o artificiales— como el sujeto central del arte misma, y la
idea de que el propósito del arte es focalizar la atención del público sobre
objetos para su contemplación, tal como el crítico Steve Hicken lo explica.
Esta teoría del modernismo vuelve a la Escuela dadaísta ejemplificada por Duchamp,
y al collage de música concreta, así como los experimentos con música
electrónica de Edgard Varèse y otros. No obstante, el posmodernismo defiende que éste fue el modo
primigenio de existencia humana, un buceo individual en el mar de producción
del hombre.
John Cage es una figura prominente en la música
del siglo XX; su influencia fue creciendo durante su vida, y hoy es recordado
por muchos como el fundador de la música postmoderna. Cage cuestionó la misma
definición de música en sus piezas, e insistió en la
filosofía de que todos los
sonidos son esencialmente
música. En su 4’33” confronta al oyente con su idea de que
los sonidos no intencionales son tan músicalmente válidos como los originados
por un instrumento. Cage también usó notablemente música aleatoria, y sonidos hallados con el objetivo de crear un estilo de
música interesante y diferente. Su música no solamente se basa en el argumento
de que no hay “música” o “ruido” sino sólo “sonido”, y que las combinaciones de
sonidos hallados constituyen eventos musicales, sino también en la importancia
de focalizar la atención y en la “invención” como esenciales al arte.
Cage, sin embargo, ha sido catalogado por algunos como demasiado vanguardista
en su enfoque; por esta razón, muchos encuentran su música antipática. Resulta
interesante analizar que la aparente oposición al indeterminismo de Cage, la
música sobrestructurada de los serialistas, ha producido piezas de sonoridad
similar, incluso muchos serialistas como por ejemplo Pierre Boulez o Karlheinz Stockhausen han utilizado procedimientos
aleatorios. Michael Nyman dice en música experimental que el minimalismo fue
una reacción generada por y contra el serialismo y el indeterminismo.
El posmodernismo encontró a la música y la pintura en momentos muy
similares; por un lado la sobriedad, pureza, amor por la mecánica, abstracción
y la trama en la que muchos rasgos modernistas fueron preservados, como el
énfasis sobre el estilo personalizado y la experimentación. Sin embargo, los
posmodernistas rechazaron la instancia hermenéutica del modernismo (la necesidad de estar
en el ambiente del modernismo). En lugar de ello, el posmodernismo toma lo
popular y lo reduce a su guía estética. Uno de los primeros movimientos que
rompió con el modernismo se inspiró en el trabajo de Cage, y su énfasis en los
sonidos por capas: el minimalismo.
Poliestilismo
Poliestilismo es el uso de múltiples estilos o técnicas musicales, y es
considerado una característica posmoderna que comienza a finales del siglo XX y
se acentúa en el siglo XXI. Es importante distinguir entre la actitud
ecléctica, que es la de quien recolecta material de diferentes fuentes de modo
pasivo y la actitud poliestilista, que es la de quien fusiona las fuentes de
modo coherente, deliberado y propio. El compositor poliestilista no emplea
necesariamente su canon de estilo y técnica en un solo trabajo sino que en el
conjunto su obra se advierte diferentes "estilos". Esta corriente,
pese a haber sido anticipada en una temprana tendencia que unificaba elementos
de folk o dejazz en trabajos clásicos, se desarrolla realmente desde finales
del siglo XX,
y mientras más y más estilos entran en juego en el nuevo siglo, el movimiento
se hace cada vez más importante y diverso. Los compositores poliestilistas han
usualmente comenzado su carrera en una corriente para moverse a otra a la vez
que guardando elementos importantes de la anterior.
Compositores poliestilísticos son, por ejemplo, Lera Auerbach, Luciano Berio, William
Bolcom, Sofia
Gubaidulina, Hans Werner
Henze, George
Rochberg, Arturo Rodas,Magaly Ruiz, Frederic
Rzewski, Alfred
Schnittke, Dmitri Silnitsky, Valentín Silvestrov,Santiago Sosa Rolón, Ezequiel Viñao, Frank Zappa o John Zorn.
Nueva simplicidad
La Nueva Simplicidad fue una tendencia estilística surgida entre algunos de
los componentes de la generación más joven de compositores alemanes de
comienzos de los ochenta del siglo XX,
y que supuso una reacción no solamente contra la vanguardia musical europea de las décadas de los
cincuenta y sesenta, sino también contra la más amplia tendencia hacia la
objetividad de comienzos de siglo.
En general, estos compositores propugnaron una inmediatez entre el impulso
creativo y su resultado musical (en contraste con la elaborada planificación
precompositiva característica del vanguardismo), con la intención de crear una
comunicación más fácil con las audiencias. En algunos casos, ello significó una
vuelta al lenguaje tonal del siglo XIX así como a las formas musicales (sinfonía,sonata) y a las
combinaciones instrumentales (cuarteto de cuerda, trío con piano) tradicionales, que
habían sido evitadas en su mayor parte por la vanguardia. Para otros
compositores, significó trabajar con texturas más simples o el empleo dearmonías triádicas en contextos no tonales.
De entre los compositores identificados de una forma más cercana con este
movimiento, solamente Wolfgang Rihm ha conseguido una reputación
significativa fuera de Alemania.
Otros autores, de mayor edad y/o de otras nacionalidades, como Hans Abrahamsen, Alfred Janson, Aaron Kernis, Wilhelm Killmayer, Ladislav Kupkovic, György Kurtág, Roland Moser, Arvo Pärt,Alfred
Schnittke, Kurt Schwertsik y Howard Skempton han sido relacionados ocasionalmente
con los “nuevos simplicistas”. Al menos dos autores han ido aún más lejos al
asegurar que uno de los compositores vanguardistas contra el que se había
rebelado más ostensiblemente la Nueva Simplicidad, Karlheinz Stockhausen, se habría
anticipado a sus posiciones con la simplificación radical de su estilo que se
produjo entre 1966 y 1974.
Espectralismo
La música espectral, en un sentido restrictivo, se basa principalmente en
el descubrimiento de la naturaleza del timbre
musical y en la
descomposición espectral del sonido musical, en el origen de la percepción del
timbre. El espectralismo se originó en Francia en la década de los setenta alrededor de un grupo de compositores
agrupados en torno al Ensemble l'Itinéraire (Gérard Grisey, Tristan
Murail, Hughes
Dufourt y Michael Levinas). En
Alemania tuvo repercusión y se formó un grupo de investigación liderado por los
compositores Johannes Fritsch, Mesias
Maiguashca, Peter Eötvös, Claude Vivier,
yClarence Barlow. En
Rumania existió un movimiento importante de esta tendencia liderado por Ştefan Niculescu, Horatiu Radulescu, y Iancu Dumitrescu.
Actualmente compositores como Julian Anderson, Ana-Maria Avram, Joshua Fineberg, Jonathan Harvey, Fabien Lévy,Magnus
Lindberg, y Kaija
Saariaho permanecen
desarrollando ideas espectrales. El compositor de jazz Steve Lehman ha introducido técnicas espectrales en
el campo de la música improvisada. El movimiento se ha ido ensanchando e
influye en las más importantes tendencias contemporaneas de composición y en
muchos de los compositores más jóvenes: Philippe
Hurel, Philippe Leroux, Marc-André Dalbavie, Jean-Luc Hervé, Fabien Lévy o Thierry Blondeau, en
Francia; Kaija
Saariahoo Magnus
Lindberg en Finlandia; George
Benjamin o Julian Anderson en el Reino Unido: Marco Stroppa en Italia; y Joshua Fineberg, en
EE.UU., por citar algunos.
Libre improvisación
La improvisación libre es música improvisada sin reglas previas
establecidas, secuencias de acordes o melodías previamente acordadas. A veces
los músicos realizan un esfuerzo activo para evitar referenciar a géneros
musicales reconocibles. El término es en alguna forma paradójico en tanto puede
ser considerado como una técnica (empleada por cualquier músico que quiere
olvidarse de géneros rígidos y formas) y como género reconocible en sí mismo.
La improvisación libre, como estilo de música, se desarrolló en Europa y EE. UU. en la mitad y fines de la década de 1960 en respuesta o inspirado por el
movimiento del free jazz así como por la música clásica contemporánea. Entre los
artistas más reconocidos dentro de este estilo están los saxofonistas Evan Parker y Peter Brötzmann, el
guitarrista Derek Bailey,
y el grupo improvisacional británico AMM.
Nueva complejidad
La Nueva Complejidad es una corriente dentro del escenario contemporáneo
surgida en la década de los 80's en el Reino Unido que puede definir lo
"complejo" como; "de múltiples capas de interacción de los
procesos evolutivos que ocurren simultáneamente en todas las dimensiones del
material musical". Es muy abstracta, disonante y atonal, caracterizada por
el uso de técnicas que llevan hasta el límite las posibilidades de la escritura musical. Esto incluye el uso de técnicas extendidas, texturas complejas e inestables, microtonalidad,
contorno melódico altamente discontinuo y complejos ritmos de capas, cambios
bruscos en la textura, y así sucesivamente. También se caracteriza, a
diferencia de la música de los serialistas inmediatamente posteriores a la
Segunda Guerra Mundial, por la dependencia frecuente de sus compositores en
concepciones poéticas, muy a menudo implicados en los títulos de las obras
individuales y en los ciclos de trabajo de cada compositor.
Entre los compositores más importantes se encuentran Brian Ferneyhough, Michael Finnissy, Chris Dench, James Dillon,Roger Redgate y Richard Barrett.
Arte sonoro
Arte sonoro comprende un diverso grupo de prácticas artísticas que tienen como principal objetivo
diferentes nociones delsonido, la escucha y la audición.
Existen normalmente diferentes relaciones entre los ámbitos visual y auditivo
del arte así como de la percepción por los artistas del sonido.
Como muchos géneros del arte contemporáneo, el arte sonor es interdisciplinario por naturaleza, tomado formas híbridas. El arte sonoro se ocupa
frecuentemente de aspectos como la acústica,
la psicoacústica,
la electrónica,
el noise, los medios de audio
y la tecnología (tanto analógica como digital),
el sonido encontrado o ambiente, la exploración del cuerpo humano, la escultura,
la película o el vídeo y un abanico de temas creciente
Desde el punto de vista de la tradición occidental, los primeros ejemplos
de este arte incluyen a Luigi Russolo y suIntonarumori, y los
experimentos que a continuación realizaron los dadaistas, surrealistas y situacionistas.
Dada la diversidad del arte sonoro, existe a menudo un debate sobre si el arte
sonoro cae dentro y/o fuera tanto del arte visualcomo
de la música experimental. El arte sonoro también
está relacionado con el arte
conceptual, el minimalismo,
el spoken word,
la poesía avant garde y el teatro experimental.
Música contemporánea
latinoamericana
La música de tradición europea en Latinoamérica ha sido sumamente diversa y compleja,
tanto musicalmente como también en cuanto al lugar que ésta ocupa en la
sociedad. Uno de los principales obstáculos han sido las dificultades
económicas de la región durante casi la totalidad del siglo, por una parte, y
la falta de acceso e interés de la mayoría de la población a la música docta,
por la otra. Desde el punto de vista musical y estilístico siempre se ha
generado una pugna entre producir correctamente el legado de la música docta
europea, y desarrollar elementos originalmente latinoamericanos y nacionales en
la misma. Es por esto que muchos de los compositores de esta región han sido
catalogados como pertenecientes alnacionalismo musical, independientemente
del estilo o técnica que el compositor haya utilizado. La música contemporánea
latinoamericana, más que un estilo, comprende una inmensa diversidad de obras,
conceptos, técnicas y estilos que se han elaborado en la región desde que se ha
propuesto la música docta como un desafió creativo, por sobre la noción de
música docta como la mera asimilación cultural repetitiva de la música culta
europea.
Durante el siglo XX un grupo significativo de compositores de América
Latina alcanzaron el reconocimiento internacional.Alberto
Ginastera, Carlos López Buchardo, Carlos
Guastavino, Luis Gianneo,
y Astor
Piazzolla de Argentina; Heitor
Villalobos, Camargo Guarnieri, Luciano Gallet yFrancisco
Mignone, Ricardo Santoro y Osvaldo Lacerda de Brazil; Luis Humberto Salgado de Ecuador; Antonio Lauro, Juan Bautista Plaza ,Antonio
Estévez e Inocente Carreño de Venezuela; Manuel Ponce, Carlos Chávez,
y Silvestre Revueltas de México; Domingo Santa Cruz, Pedro Humberto Allende, Carlos
Isamitt y Juan
Orrego-Salas de Chile; Guillermo Uribe-Holguín, Luis Antonio Escobar, Roberto Pineda Duque, Antonio María Valencia, Francisco Zumaqué, Blás Emilio Atehortúa, Jesús Pinzón Urrea de Colombia; Teodoro Valcárcel de Perú; Ernesto
Cordero de Panamá, Eduardo Caba de Bolivia, Ernesto
Lecuona de Cuba y Héctor Tosar y Eduardo
Fabini de Uruguay.
Mientras que durante el último tercio de siglo los compositores destacados se
acrecentaron destacando además: Mario Davidosky y Osvaldo
Golijov de Argentina; Leo Brouwer, Aurelio de la Vega y Tania León de Cuba;Gabriela
Ortiz y Mario Lavista de México; Héctor Campos-Parsi y Roberto
Sierra de Puerto Rico; Paul Desene de Venezuela; Gustavo Becerra Schmidt de Chile; José
Serebrier y Miguel del Águila de Uruguay; Edino Krieger, Egberto
Gismonti y Marlos Nobre de Brasil, quienes son reconocidos a
nivel mundial por calidad artística.
Otros estilos y conceptos
musicales
Otros estilos y conceptos generalmente asociados a la música contemporánea
son el conceptualismo,
el post-minimalismo, el neorromanticismo,
el neotonalismo,
la música experimental, la tonalidad postclasicista,
la música electrónica, el art rock,
el jazz contemporáneo, la música del
mundo, la música postmodernista, la música computacional, el historicismo musical, etc.
.jpg){kind=link}
.jpg){kind=link}
No hay comentarios.:
Publicar un comentario